Muestra de Grado

2025-2

Alfredo Pinzón Quintero Andrés David Soto Fuentes Ángel Piedrahita García Ani Taborda Gómez Colectivo Maisonnée Carlos David Giraldo Pineda Diego Alejandro Areiza Uribe Eidy Ceballos Buitrago Isabella Montoya Martínez Juan Felipe Acevedo Vergara Karoll Ramírez Ramírez Lesly Murillo Mosquera Mariana Vargas Hernández Santiago Díaz González Universidad de Antioquia Facultad de Artes Departamento de Artes Visuales Medellín - Colombia Agosto-Septiembre 2025 Rector de la Universidad de Antioquia John Jairo Arboleda Céspedes Decano de la Facultad de Artes Gabriel Mario Vélez Salazar Vicedecano de la Facultad de Artes Diego León Gómez Pérez Jefe del Departamento de Artes Visuales Julio César Salazar Zapata Coordinadores Área de Investigación y Propuestas Lindy María Márquez Holguín Fredy Álzate Gómez Docente acompañante de la muestra de grado Carlos Uribe Uribe Acompañamiento y textos Docentes Departamento de Artes Visuales Textos institucionales Julio César Salazar Zapata Carlos Uribe Uribe Concepto gráfico Ángel Piedrahita García Diseño y diagramación Ángel Piedrahita García Luis Fernando Escobar Gómez Fotografía Archivos estudiantes muestra de grado Acompañamiento exposiciones Estudiantes practicantes: Linda Paola Cañaveral Zapata Karen Melissa Chavarría Pérez Luisa Fernanda Zapata Zapata Édgar Medina Chaves Natali Ruíz Marín David Andrés Jaramillo Herrera Sedes Edificio Antioquia La Naviera, Medellín Edificio de la Cultura, Cámara de Comercio, Medellín Facultad de Artes

Alfredo Pinzón Quintero Laura Sofía Lamo Andrés David Soto Fuentes Angélica Teuta Ángel Piedrahita García Daniela Serna Ani Taborda Gómez Alejandro Salazar Colectivo Maisonnée Lindy María Márquez Carlos David Giraldo Pineda Angélica Teuta Diego Alejandro Areiza Uribe Margarita María Pineda

CONTENIDO

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* Textos y comentarios académicos

Eidy Ceballos Buitrago Lindy María Márquez Isabella Montoya Martínez Fredy Alzate Juan Felipe Acevedo Vergara Carlos Uribe Karoll Ramírez Ramírez Lindy María Márquez Lesly Murillo Mosquera Pablo Mora Mariana Vargas Hernández Lindy María Márquez Santiago Díaz González Lindy María Márquez Presentación Contexto curatorial

Muestra de Grado 2025-2 Departamento de Artes Visuales El grupo de estudiantes de Artes Plásticas y de Licenciatura en Artes Plásticas que hoy, a través de Otr_s, inicia su ruta al campo profesional, se enfrenta a un mundo saturado de retos y dificultades que exige con urgencia, una mirada renovada en atención a las circunstancias y las transformaciones aceleradas que lo atraviesan.

El desarrollo tecnológico imparable, que raya en ficcionalidad y mantiene a la sociedad en la incertidumbre de su devenir; el clima planetario, cada vez más variable e inestable y la sensación de debacle inminente; la ebullición de la diversidad, el incremento de lo múltiple que reta la inclusión y zarandea moralidades establecidas; el sistema económico global, que promueve el consumo como paradigma de estatus y progreso, donde el valor de la persona se mide por sus posesiones y no por su humanidad; el monstruo de la guerra, que mantiene en vilo la seguridad general y presiente el tan sonado apocalipsis frente posturas exacerbadas de atrocidad, en un panorama político cada vez más radicalizado y sordo.

En este escenario de altísima complejidad, multiplicidad de realidades y percepciones subjetivadas, los procesos de investigación creación abordados por estos nuevos artistas plantean preguntas críticas, agudas e inquietantes sobre la condición humana; asuntos sobre el sentido, el género, los roles hegemónicos, los prejuicios y supuestos sobre sí mismo y los otr_s, las relaciones, los comportamientos, las fragilidades, las inmanencias y las trascendencias, lo nimio y lo suntuario, la tenacidad, la persistencia y el amor que, en alguna medida, subliman algunos de los asuntos arriba bosquejados.

Sus trabajos, hechos de forma comprometida, a fuerza de disciplina, voluntad y también algo de terquedad, enseña hoy las credenciales que los presenta a la sociedad como profesionales de las artes plásticas. Hoy nos entregan propuestas depuradas, meditadas en íntima soledad, soportadas en el imaginario que su subjetividad ha urdido en soluciones visuales que se configuran como dibujo, pintura, video, escultura, instalación y una amplitud de medios y gestos que tienen lugar en esta Muestra de Grado. Propuestas cargadas de potencia, energía, sentida emoción, mordacidad e ironía, de voces contundentes y silencios poéticos. Para nosotros espectadores, queda el reto de permitirnos “ser tocados” por estas piezas artísticas, más allá del deber de “comprender” y reconocer el subtexto del artista, y disponernos para que el acontecimiento se dé en nuestra subjetividad al encontrarnos con la obra. Disponer nuestra sensibilidad para que ella suscite en nosotros posibilidades de reflexión y autoconocimiento, que nos permita cuestionar la propia humanidad, que despierte finas fibras de aguda observación e indague en nuestros prejuicios, que remueva la sensación de seguridad y nos proporcione una mayor conciencia de nuestra existencia en este planeta-mundo del que somos responsables. No, entonces, arte para ser entendido, sino, arte para ser vivido, para abordar la experiencia de lo inefable; arte hecho para nosotros, los otr_s llamados a completar el hecho artístico. Julio César Salazar Zapata Jefe Departamento Artes Visuales Facultad de Artes Universidad de Antioquia

CONDENADO AL ÉXITO /

LAVATORIO

Pintura (medios mezclados), dimensiones variables

2025

Un corazón rodeado de espinas, coronado con fuego y una cruz, nos habla del amor y la misericordia sin tener que pronunciar palabra alguna. Un ángel sobrevolando un santo nos habla de la inspiración divina y la guía espiritual. Una tela azul abrazando un cuerpo femenino compungido por el dolor, nos habla de una historia.

¿Puede un zapato ser una experiencia religiosa, una iconografía?

Sí, si este zapato lo regala Su Majestad Michel Jordan al bendecido J Balvin. Sí, si millones de personas están atentas a este gesto, a esta imagen pública que llega al mundo entero como un grito de yo soy, soy esto y represento todo lo que desean ser. Puede parecer distante, pero la obra de Luis Alfredo Pinzón juega con esa cercanía entre la construcción de símbolos de una religión y la del fenómeno del reggaetón. Este último no es solo el ritmo o las letras, es la imagen y los valores que se le asocian, es la capacidad de enlazar comunidades por medio de una máscara cuidadosamente creada para su fácil reconocimiento.

Tenemos nuevos santos para alabar. En una asociación atrevida, exclamemos: Dios bendiga al reggaetón, Amén. Laura Sofía A. Lamo Licenciada en Artes Plásticas, Universidad de Antioquia

ALFREDO

PINZÓN

QUINTERO

2000

Marinilla, Antioquia @maese_alfred

Si te dejo de ver es una videoinstalación que articula lenguajes poéticos, audiovisuales y espaciales desde un lugar íntimo y situado. El proyecto parte de la escritura como detonante: poemas surgidos de experiencias afectivas vinculadas al romance, la pérdida y los sentimientos transitorios. Estos textos devienen materia sensible que se transforma en acciones, imágenes y gestos donde el cuerpo, la voz y la mirada configuran una narrativa expandida. Andrés utiliza la escritura poética como herramienta metodológica y forma de pensamiento. Sus textos, atravesados por la tristeza, la nostalgia y la incertidumbre, son el punto de partida de una exploración visual y sonora en la que el lenguaje poético se convierte en imagen, y el cuerpo en territorio de memoria y afecto. La voz, junto con una mirada intensa que evita el parpadeo, construye atmósferas donde lo autobiográfico se vuelve paisaje emocional. Su propuesta no busca ilustrar ideas, sino habitar procesos donde la materia, el poema, la voz, el cuerpo, y el espacio actúa como agente activo. La obra abre un lugar para lo vulnerable, y desde allí, plantea una crítica a los modelos afectivos de la masculinidad hegemónica, proponiendo formas alternas de ser hombre, más abiertas, sensibles y empáticas. Como señala Ramírez Rodríguez (2013), “los hombres, grandes y chicos, son también individuos emocionales”,* aunque históricamente se nos haya enseñado lo contrario. La tesis de Andrés ofrece así un espacio estético y ético que dignifica lo emocional como parte esencial de lo humano, y evidencia el poder del arte para pensar, sanar y transformar.

Angélica Teuta Artista visual y docente Facultad de Artes

ANDRÉS DAVID

SOTO

FUENTES

2002

Medellín @andresd_soto

SI TE DEJO DE VER

Videoinstalación (video performance en tres canales), dimensiones variables

2025

*Ramírez Rodríguez, J. (2013). Masculinidad y emociones. Una aproximación a su construcción social.

ÁNGEL

PIEDRAHITA

GARCÍA

2001

Bello, Antioquia Agradecimientos A mis amigues, y Residencia Artística la Naviera Tal_vez_angel Angel.garciap0305 @gmail.com

OFICINA URBANA DE OCUPAS

Instalación (prototipos portables y despliegue de proceso) dimensiones variables

2025

behance.net/hillgarca Ángel P. García Arquitecto plástico Daniela Serna Artista y Docente Facultad de Artes

ANI

TABORDA

GÓMEZ

1998

Caldas, Antioquia @anitaborda.art La obra de Ani surge de una profunda inquietud por la fragilidad de lo humano, la muerte, la vida y la naturaleza.

Su proceso creativo se da en la búsqueda de algo que yo llamaría espiritual, entendiendo esto como un concepto que se refiere al deseo de sentido que cada uno de nosotros puede explorar, no necesariamente desde lo religioso, sino desde el sentirnos parte de algo más grande. En cada una de sus piezas hay una reflexión sobre lo que somos, lo que perdemos y lo que permanece.

Ella explora esa doble búsqueda que todos atravesamos: una que va hacia adentro, a lo íntimo, y otra que se proyecta afuera, hacia el mundo, hacia la naturaleza, mostrando que, más allá de lo visible, existe una esencia que trasciende lo efímero. En sus videoinstalaciones, fotografías y pinturas, usa flores, agua, viento, fuego, tierra... elementos que llevan en sí mismos la idea de ciclo, de transformación. A través de ellos, Ani habla del deceso, pero también de la capacidad que tenemos de resurgir, incluso en medio de lo adverso.

En su obra, la muerte no es el final de algo, sino el inicio de otra forma de existir. Y no hablo solo de la muerte física, sino también de esas muertes emocionales, internas, que todos atravesamos alguna vez: momentos en que algo dentro de nosotros se apaga, pero también momentos en que algo nuevo puede comenzar a nacer. En ese tránsito, en ese renacer, es donde Ani encuentra lo eterno.

Su motivación no es exponer una respuesta absoluta, sino evidenciar una constante reflexión sobre cómo transformar lo efímero en eterno. Su trabajo nos recuerda que, aunque todo pasa, algo de nosotros permanece.

Alejandro Salazar Profesional en Desarrollo de Software

SIEMPREVIVA INCENDIADA

Videoinstalación (proyección de video, material vegetal), dimensiones variables

2025

Ver portafolio Vienen de lugares diferentes: ella creció con el sol calentando el camino que pisaba, con el olor dulce de la panela para saborear en la memoria y con el susurro de un río que la arrullaba en las noches. Él, en cambio, creció con el frio discreto que ocultaba con niebla las montañas, con la lluvia que le impedía salir de su habitación, con un closet en el que podía esconderse. Un día ambos decidieron ir más allá de los horizontes que conocían hasta llegar a otro continente, a una ciudad insospechada, para construir desde sus manos vacías, desde su corazón contrariado y desde la indefensión, un hogar.

De este modo, Karoll y Santiago, conformaron el colectivo artístico Maisonnée, el cual empezó en la vida misma, en la cotidianidad donde tuvieron que afrontar las dificultades de ser extranjeros, de hablar otro idioma y de tener otra cultura, así fue como uno fue el soporte del otro: la luz, la ventana, la puerta, la llave, el abrazo que refugia no solo el cuerpo, el alma, sino toda la vida misma. Esto los llevó a realizar performances básicos y sinceros, tanto en el espacio doméstico, como fuera de él (parajes franceses), los cuales se convirtieron en zonas arquetípicas, que no localizan específicamente, sino que entrelazan espacialidades, por ello son umbrales en los que sus gestos construyen una definición primigenia del hogar, tan pura, tan silenciosa y tan secreta que es posible no ver una casa, sino un mundo, el mundo que Karoll y Santiago ubican dentro del mundo que todos conocemos. Este, finalmente se puede apreciar a través de registros audiovisuales que trascienden su carácter básico de emisión, por ello conforman instalaciones para ser recorridas y estar dentro de un tiempo-espacio que conocemos y siempre anhelaremos.

Pero ¿Qué pasará cuando ellos regresen al punto de partida? ¿Qué le sucederá a su mundo construido? creo que, así como no se puede olvidar la casa de infancia, lo mismo pasará con estas casas, aunque no se pueda residir en ellas, siempre existirán y estarán en todos lados donde ellos recuerden lo que significa ser Karoll y Santiago. Lindy María Márquez Docente Facultad de Artes

EL CORAZÓN DE UN LUGAR

Video performance (proyección de video),

2024 - 2025

COLECTIVO

MAISONNÉE

2024

Medellín Santiago Díaz Karoll Ramírez

* Coccia, E. (2024). Filosofía de la casa. El espacio doméstico

y la felicidad. Madrid: Ediciones Siruela. “Una casa es una intensidad que cambia nuestra forma de ser. (…) Construimos casas para acoger en forma de intimidad una porción del mundo —compuesta por cosas, animales, plantas, atmósferas, acontecimientos, imágenes, recuerdos y las personas—, que hace posible [habitar la] felicidad, [la plenitud y el amor]…” *

CARLOS DAVID

GIRALDO PINEDA

1986

Medellín @GiraldoCdavid Just do it, es una propuesta de investigación creación que se adentra en los lenguajes del consumo, la moda y la estética de la marca como construcción simbólica. A partir de una instalación que simula una tienda, Carlos David reproduce vitrinas donde se exhiben objetos e imágenes que interrogan la aparente promesa de felicidad asociada al acto de consumir. Con agudeza visual y sentido crítico, su obra expone las lógicas de aspiración, falsificación y estatus que circulan en torno a las marcas, incluso cuando estas son imitaciones o precisamente por ello. La tienda, con sus vitrinas organizadas de forma meticulosa, posee una apariencia pulcra que evoca tanto la lógica comercial del lujo como la estética de la galería. El uso del blanco y el grafito no solo remite a la limpieza formal del diseño de marca, sino que también ironiza sobre los propios dispositivos del arte como formas de distinción y consumo simbólico. En esa ambigüedad se revela una doble operación crítica: el consumo de moda y el consumo de arte.

El proyecto se construye en diálogo con la publicidad, el marketing, la sociología y la filosofía, proponiendo una mirada crítica sobre el deseo de pertenencia que se articula en torno a lo que llevamos puesto. A través del dibujo, lenguaje que en su obra se vuelve táctil, ambiguo y visualmente confuso, reta al espectador a identificar dónde está la obra y qué no lo es. Nos invita, en últimas, a “consumir” imágenes cómo lo haríamos en un “hueco” comercial de Medellín. La instalación funciona como una experiencia envolvente donde se exhiben distintas formas de consumo: lo visible y lo ausente, lo aspiracional y lo efímero. Como advierte Lipovetsky (2007), “la moda ya no expresa lo que somos, sino lo que queremos parecer”. En este sentido, la obra de Carlos se convierte en un espacio de reflexión sobre los mecanismos simbólicos del deseo, la autenticidad y el estatus. Angélica Teuta Docente Facultad de Artes

JUST DO IT

Instalación (dibujo, objetos y material gráfico), dimensiones variables

2025

Lipovetsky, G. (2007). El imperio de lo efímero: la moda y su destino en las sociedades modernas. Anagrama.

DIEGO ALEJANDRO

AREIZA URIBE

1999

Sabanalarga, Antioquia @nomad_ieg_o ¿Qué pasa si no encajas bajo el rótulo de hombre, de macho, de varón, de muy masculino, de semental, de ser un verraco, muy viril, de ser un cabrón, un mulo? Nada más frágil que las masculinidades, de ahí el hecho de tener que erigir en torno a sus cuerpos, sus gestos y sus artilugios, estereotipos reafirmantes de lo varonil, de lo fuerte y potente, de lo inquebrantable, lo resistente y persistente, lo vigoroso, lo erecto, lo duro y seguro. ¿Podríamos afirmar que son explícitas las cargas físicas y sociales que se solapan bajo los roles que culturalmente asignamos a los diferentes géneros? La respuesta a esta pregunta a través del arte es lo que bien sabe hacer Diego Alejandro mediante gestos, acciones, objetos y materiales en diferentes contextos como la calle, los baños, un pasillo, una acera o la sala de exhibición. Dispone su cuerpo para dislocar palabras, significados y simbolismos en juego sobre sus partes íntimas. Habilita su fuerza con gestos que ponen en tensión materiales que desarticulan su uso habitual con relación a la fuerza del trabajo, ironizando y haciendo emerger, la paradoja de lo que significa ser hombre culturalmente hablando. Él nos desvela los cuerpos cansados que se blindan bajo vestuarios laborales rudos. Nos muestra las manos agrietadas que se esconden entre unos guantes y nos enfría el sentimiento cuando entendemos el doble sentido de una palabra en hielo que se derrite. El despliegue de sus acciones y objetos nos sensibilizan ante la posibilidad y potencia de que lo masculino también puede ser blando, frágil, suave, vulnerable, indefenso y escurridizo.

Margarita María Pineda Arias Artista y docente Facultad de Artes

MACHO

Acción performática (proyección de video, telas, hielo)

2025

SON DE PIEDRA

Video performance (Video monocanal, 00:12’:30’’)

2025

EIDY CEBALLOS

BUITRAGO

1993

El Santuario, Antioquia @eidy_blau Destino Había una antigua tierra gastada.

Había unas imponentes bocas de fuego. Había un antiguo hacer: nostálgico y silencioso amasijo. Había un olvido implacable que buscaba llevárselo todo. Había un lugar dormido en el tiempo que decidiste despertar con tu inquietud e intuición; con tu espera y sosiego.

Cuando tocó la tierra húmeda y fría, supo que sus manos nunca se apartarían de allí, porque aprendería a contener, a amansar y a modelar una herencia que no le perteneció a su familia, pero si adoptó y adaptó como parte de su historia. Así es como los procesos cerámicos de El Salto son reconstruidos en una autobiografía de su hacer, al recolectar desechos de losa, trastos, ruinas desapercibidas en el paisaje, azulejos quebrados de lugares públicos y emblemáticos para el pueblo de El Santuario, Antioquia, con los cuales crea híbridos cerámicos o sirven de indicios para nuevas piezas cerámicas, donde el color, la grafía, el material, evidencian un pasado que adquirió un nuevo latido en el presente. Así, Trasegar la tierra, es un recorrido audiovisual e instalativo, por un paisaje rural, pero también interno, donde una mujer vestida de blanco, de negro y de rojo, avanza, una y otra vez, no para llegar a un lugar, sino para recorrer una y mil veces los caminos ya andados y trabajados por otros que, como ella, también tuvieron las manos entierradas. Ella carga más del peso que puede cargar, amasa más de lo que sus manos aprietan, abraza más de lo que sus brazos abarcan, gestos que tienden a quedar suspendidos ante la imposibilidad de conclusión, pero eso no le impide comprender la cerámica como mundo, ni contenerla con su cuerpo, su aliento; en definitiva, con la vida misma, desde donde emana la convicción de un destino a su lado. Lindy María Márquez H Docente Facultad de Artes

TRASEGAR LA TIERRA

Videoinstalación (proyección de video y piezas cerámicas), dimensiones variables

2025

ISABELLA

MONTOYA

MARTÍNEZ

2001

Medellín @isa.mon.mar Isabella Montoya propone fabulaciones urbanas que exploran imaginarios colectivos en la ciudad de Medellín, apropiándose de objetos populares (en su mayoría juguetes) que evidencian la estratificación social, las formas de consumo y sus valores simbólicos. Estos son resignificados por medio de una narrativa y estética sagaz en sus empaques, conectando lo real con lo ficcional para expresar el territorio y la identidad colectiva en un manifiesto formal de estética kitsch. Así se configura El templo del brillo, proyecto que ofrece con fundamentos en la antropología social, lecturas críticas sobre el consumo, los deseos, las violencias y las tensiones sociales, mediante refinadas ironías que trascienden el relato.

Por lo anterior, estratégica y formalmente se asumen tres categorías nominales, que operan como un símil de siglas institucionales, para pervertir los valores instrumentalizados que dimensionan, económica, cultural y socialmente a los habitantes urbanos. P.O.T. (Plástico, Oropel y Templos), propone un mapa que segmenta Medellín por estratos sociales: desde los rosados oscuros de la marginalidad hasta los pasteles que encarnan la falsa pureza y el lujo aspiracional. En P.I.B. (Productos de Imaginarios Blandos), los empaques proyectan mercancías ficticias, dotando a los juguetes de nuevos sentidos mediante narrativas visuales que los problematizan, enunciando paradojas sociales que transitan entre lo ético y lo estético. Finalmente, S.A.S. (Simulacro de Aspiraciones Sociales) plantea una chaza ambulante configurada por estratos cromáticos, en correspondencia con las aspiraciones asociadas a cada nivel social.

En definitiva, El templo del brillo es un despliegue cartográfico basado en el montaje y el simulacro, que propone un retrato social donde se cuestionan las formas de representación del territorio. Funciona como un dispositivo crítico que subvierte los lenguajes del consumo y las lógicas de la estratificación urbana mediante una estética del exceso y la ironía. De esta forma, Isabella Montoya desplaza la mirada desde lo ornamental hacia lo estructural, haciendo del juego una herramienta para mapear las ficciones del progreso, las pulsiones del mercado y las políticas del gusto. Su propuesta imagina la ciudad desde sus residuos, sus íconos innobles y sus contradicciones sociales, tensionando lo bello y lo banal como síntomas de una identidad urbana fracturada, pero densamente significante.

Fredy Alzate Docente Facultad de Artes

EL TEMPLO

DEL BRILLO

Instalación, dimensiones variables,

2025

JUAN FELIPE

ACEVEDO

VERGARA

1986

Medellín @juanfvergara Juan Felipe aborda en esta propuesta la historia de las imágenes desde una postura crítica y no exenta de ironía. Al decantar sutiles animaciones que activan el espectro de la imagen congelada en el tiempo, va develando el trasfondo de las mismas para asignarles una lectura actual e instalar preguntas en el espectador. En su Statement señala: “Uso la ironía como herramienta para cuestionar verdades aceptadas, resaltando las contradicciones y así generar reflexión en el espectador”. En esta vía se apoya en la historia del arte y de las imágenes para interpelar fenómenos como la manipulación mediática, las luchas geopolíticas, la hiperconectividad de la post aldea global, o bien las desigualdades inherentes en las narrativas dominantes del presente. Visibiliza cómo los medios de comunicación, la globalización y la tecnología moldean la percepción de la realidad, influyendo en los imaginarios ideológicos y en las decisiones micropolíticas del sujeto. Esta video instalación resume varias propuestas generadas a lo largo de su proceso de grado: en los monitores laterales Anti-semita I y Anti-semita II retoma afiches de la propaganda nacional socialista de los años treinta y los mediatiza modificando los textos originales y algunos gestos para construir escenarios de mediatización actual; sobre el monitor frontal se erige Ha-kohen / El Sacerdote, la cual se basa en el tabernáculo del Pentateuco de Ratisbona, manuscrito indixial de la cultura hebrea, para hablar de la postura y accionar del primer ministro de Israel Benjamín Netanyahu y su guerra sobre el pueblo de Palestina y los países árabes; entre los misiles que salen de la menorah se encuentran las 50 estrellas de la bandera de EE.UU. El Sionismo se ha apropiado de la cultura y creencias judías con el apoyo de Occidente, para sustentar su guerra frente a los musulmanes y el robo sistemático de sus tierras.

Carlos Uribe U.

Docente Facultad de Artes

HA KOHEN / ANTI-SEMITA

Videoinstalación (proyección de videos y animación programada), duración variable

2024-2025

KAROLL

RAMÍREZ

RAMÍREZ

2002

Piedecuesta, Santander @karollj_ramirez

QUERIDA CASA

Videoinstalación (video monocanal, telas suspendidas), dimensiones variables

2024-2025

“Una casa es una intensidad que cambia nuestra forma de ser. (…) Construimos casas para acoger en forma de intimidad una porción del mundo —compuesta por cosas, animales, plantas, atmósferas, acontecimientos, imágenes, recuerdos y las personas—, que hace posible [habitar la] felicidad, [la plenitud y el amor]…”. Emanuele Coccia

LESLY

MURILLO

MOSQUERA

2002

Bello, Antioquia @ly.murillo En un texto escrito por la autora de esta pieza, se lee la frase “no es precisamente miedo” esa pequeña esquirla encarna un potente sentimiento que se convierte en el mantra que, aunque nunca es expresado se repite en silencio y que por la fuerza de la obra el espectador percibe.

El umbral siempre define el punto de inicio de algo que percibimos pero que no alcanzamos a conocer porque muchas veces no podemos ir más allá, la puerta se nos presenta como un velo endurecido que solo nos permite ver las sombras que se filtran por la luz que se asoma en el intersticio del piso, percibimos sonidos extraños que invocan una curiosidad sensible, pero sobre todo del vértigo que produce saber “que no es precisamente miedo”. Freud define lo siniestro como “una suerte de sensación de espanto que se adhiere a las cosas conocidas y familiares de tiempo atrás” planteado así el problema es “en qué condiciones las cosas familiares pueden tornarse siniestras”; y conocida es la definición que hace Schelling de lo siniestro (Unheimliche) cuando dice que es “aquello que debiendo permanecer oculto, se ha revelado”. Sin embargo, en este caso la artista no nos revela nada, nos deja en el umbral en el espacio contrario a lo siniestro a su antónimo (Heimlich) que se refiere precisamente al hogar, a lo conocido, a lo doméstico en el que todavía no sabemos que significa cuando nos dicen “no es precisamente miedo”. Percibimos sentimientos ineludibles pero inexpresables y entendemos que la ciudad la construyen precisamente esos sentimientos. Pablo Mora Artista y docente Facultad de Artes

UMBRAL

Videoinstalación (video monocanal, 00:03’:49’’) dimensiones variables

2025

Freud, S. (1919). Lo siniestro. En Obras completas (Vol. XVII). Amorrortu Editores. Schelling, F. W. J., citado en Freud, S. (1919). Lo siniestro. En Obras completas (Vol. XVII). Amorrortu Editores.

MARIANA

VARGAS

HERNÁNDEZ

2000

Medellín Estar presente “Sé lo que es hoja, pétalo, espiga, piña, tallo. Y lo que les pasa a ustedes en abril y en diciembre. Aunque mi curiosidad no es correspondida, me inclino especialmente sobre algunas y hacia otras levanto la cabeza.

Tengo nombres para ustedes (…) y ustedes no tienen ninguno para mí. Proyectamos sombras según las mismas leyes [aunque] mi cuerpo no echa raíces.

[Las veo, las repaso y las trazo para hallar su secreto corazón]”.

Szymborska, 2022 En una realidad cada vez más automatizada o instantánea, vigilada y mediada, la contemplación o la verdadera observación se convierte en un privilegio que solo algunos cuantos tienen o que pocos saben ejercer ¿Se nos olvidó mirar?

Justamente Mariana Vargas, no olvida esta acción y la lleva a cabo con aquello que pasa desapercibido o que quizás no sea digno de atención fija, porque esto ha nacido con el estigma de ser simplemente maleza. Así, pequeños y espontáneos helechos, gramalotes, verdolagas, botoncillos, campanillas, entre otras, dejan de ser invisibles y efímeras en sus aposentos urbanos para ser rescatados por la mirada, valorizados en el tiempo donde crecen, se caen, vuelven a crecer o desaparecen. Es como si con ellas se realizara un secreto y particular proceso de fotosíntesis, donde el sol es la mirada, y con ello se desprende la evocación de sus formas, texturas, dimensiones, colores, en una serie de trazos y cortes que les permite germinar en el papel, como unas nuevas malezas, o mejor aún “bienezas”, al convertirse en un “bien” tangible que silenciosamente también reclamará nuestra mirada. Así es como se configura el proyecto Botánica antrópica, una instalación delicada que juega con la noción de realidad y ficción; de naturaleza y artificio, mostrándonos que cada especie es naturalmente simulada, en la que se diluyen los límites entre el ser y el parecer y el afecto y el efecto de estar presente. Lindy María Márquez H Docente Facultad de Artes

BOTÁNICA ANTRÓPICA

Instalación (ilustraciones, plantas raudales dispersas), dimensiones variables

2025

@mvaaar

SANTIAGO

DÍAZ GONZÁLEZ

2002

Chiquinquirá, Boyacá @ssandiazz

A PUERTAS AFUERA

Videoinstalación (video monocanal, elementos domésticos suspendidos), dimensiones variables

2025

“En estos cuartos sombríos, donde paso días de tedio, voy vagando de un lado a otro en pos de las ventanas. -Cada vez que se abre una ventana es un consuelo-. Mas no hay ventanas, o es que yo no puedo encontrarlas. Y acaso, mejor que no lo haga. Acaso la luz sea otra tiranía más. Quién sabe qué inusitadas cosas vendrá a mostrarnos”. Constantino Cavafis, 1903

Muestra de Grado 2025-2 Departamento de Artes Visuales OTR_S en su sentido disidente alude a un universo donde cabemos todos y simultáneamente a la emergencia y pulsión de una generación que llega a proponer nuevos sentidos, relaciones, conexiones, encuentros o discrepancias. Habitamos poética pero igualmente políticamente el mundo que nos correspondió vivir a través de la oportunidad que el arte incita como apertura a lo posible. Se trata de una postura activa y consciente frente a la vida, donde la belleza, la emoción y la reflexión crítica se entrelazan para construir un mundo más justo, significativo y habitable1.

La noción de otredad es el resultado de un proceso filosófico, psicológico, social y cultural a través del cual un grupo se define a sí mismo, crea una identidad y se diferencia de otros grupos. Esta cohorte que hoy apuesta por su reconocimiento desde la academia, hacia el campo del arte y en el ámbito de la contemporaneidad social es, un otr_s con nosotr_s, no se aparta o desconfigura del ethos social, lo exige como complemento sustancial como parte universal de un todo: como el fractal de un iceberg o de la parte de una “estructura compleja en su semejanza o autosimilitud”, como señala puntualmente Salma Abdul-Magied2 en sus reflexiones sobre el reconocimiento de los grupos aspiracionales.

Esta otr_ generación nos invita a reflexionar con sus propuestas, ideas y obras sobre fenómenos tan autobiográficos y personales como la deconstrucción cotidiana de las identidades y los hábitos hegemónicos y heteronormativos, la construcción o desconfiguración del ideal de hogar y la familia, la precarización y transitoriedad de la vida como existencia, las relaciones ecosóficas y la resignificación de los patrimonios naturales y culturales, los códigos de consumo entre la alta y la baja cultura, y más dramáticamente, sobre las desigualdades inherentes a las narrativas dominantes y bélicas en el contexto global actual. Los nuevos profesionales que hacen parte de esta Muestra de Grado 2025-2 y qué presentamos a la sociedad convencidos de un riguroso proceso de formación académica, nos comparten el resultado de sus búsquedas, interrogantes y sensibilidades. En la suma de sus procesos autorales está la apuesta que desde la Facultad de Artes hacemos para continuar formando profesionales dispuestos a expandir el sentido, construir conocimiento e interrogar el habitar en el mundo, para hacerlo más vivible, amable, humano.

Carlos Uribe U.

Docente coordinador Muestra de Grado 2025-2 1 Benjamin, Walter. Tesis sobre la Historia y otros fragmentos. Contrahistorias. México, 2005. 2 Abdul-Magied, Salma. Othering, Identity and Recognition. Abo Akademi University. Turku, 2020.