Humano, Humano, demasiado demasiado humano humano Humano, Humano, demasiado demasiado humano humano Muestra de grado 2024-I Facultad de Artes Universidad de Antioquia

Rector de la Universidad de Antioquia John Jairo Arboleda Céspedes Decano de la Facultad de Artes Gabriel Mario Vélez Salazar Vicedecano de la Facultad de Artes Diego León Gómez Pérez Jefe del Departamento de Artes Visuales Julio César Salazar Zapata Coordinadores Área de Investigación y Propuestas Fredy Álzate Gómez Lindy María Márquez Holguín Acompañamiento y textos Docentes Departamento de Artes Visuales Docentes acompañantes de la muestra de grado Gabriel Fernando Botero Serna Lindy María Márquez Holguín Diseño y diagramación Lindy María Márquez Holguín Fotografía Lindy María Márquez Holguín Sede Edificio Antioquia (Antigua Naviera Grancolombiana), Sexto piso y Sótano Agradecimientos especiales Julián Pedraza Giraldo Héctor Puerta Restrepo Felipe Villa Londoño Universidad de Antioquia Facultad de Artes Departamento de Artes Visuales Medellín – Colombia Mayo 2024 Humano, demasiado humano Primera Edición Mayo 2024, Medellín

ISBN

978-628-7706-30-9

© Lindy María Márquez Holguín © Universidad de Antioquia Facultad de Artes Impresión Arca Publicidad Calle 54 No. 53-78 Medellín Facultad de Artes Humano, Humano, Demasiado Demasiado Humano Humano Humano, Humano, Demasiado Demasiado Humano Humano Muestra de grado 2024-I Facultad de Artes Universidad de Antioquia

Humano, demasiado humano Julio César Salazar Z. María José Arango Isabella Ledesma Valderrama Ana Arroyave Lindy María Márquez H Alejandro Betancourt Lindy María Márquez H Yuliana Botero Anónimo Angélica Cordero Fredy Álzate Gómez Ana María Díaz Lindy María Márquez H. Felipe Franco Gloria Isabel Ruíz Gualteros María Camila Garcés Lindy María Márquez H Esteban García Carlos Uribe Uribe Jose Gil Vanessa Díaz Tabares Esteban Giraldo Mariana Giraldo Ocampo Juan Hernández Kike Aguilar Sierra Luisa Jaramillo Gabriel Botero Serna Herika Martínez Fredy Álzate Gómez Evelyn Medina Kike Aguilar Sierra Natalia Mejía María Teresa Morales Marín Maria Daniela Vega Lindy María Márquez H “Pobre humana” Lindy María Márquez H Bibliografía Referencias obra

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Contenido Contenido

Humano, demasiado humano... Demasiado extrañado, subjetivo, inquieto, aterrado, cuestionado ante la abrumadora carga de la existencia, ante la realidad del mundo, ante la incertidumbre de la vida. Interrogantes permanentes en el devenir de la humanidad, en su configuración de sentido enfrentado a la particularidad de la época, a sus premisas, sus retos, sus contradicciones: cambio climático, capitalismo salvaje, híper producción visual, individualismo exacerbado, libertad sin límites, vulnerabilidad extrema, Metaverso, globalización, nihilismo, absurdo. Pero así mismo, fascinación por el misterio del universo infinito, reverencia ante lo innombrable, seducción por lo bello, contemplación, conexión, resiliencia, esperanza. Contexto de las paradojas, época de convulsiones, de transformaciones insospechadas.

Este panorama abigarrado se configura en escenario de reflexión en el que nuestros estudiantes enmarcan sus proyectos de investigación creación al preguntarse por su ser y estar en el mundo, por su subjetividad a riesgo de desnudarse ante el otro; por las relaciones con la naturaleza cuestionando nuestro ser, hacer y estar; por el pedazo de mundo que quiere atraparse, pero como el viento, se fuga inexorablemente; por el caudal del pensamiento, incontenible; por los modos de resistencia que apelan hasta lo absurdo para ganar silencio, para no gritar. Crear relaciones, interactuar, hacer parte, generar diálogos, cuestionar la propia historia, contrastar. La gama de posibilidades se abre frente a las propuestas diversas que recoge nuestra Muestra de Grado 2024-1 y que pone en escena estas premisas poética, lúdica, osadamente.

Con orgullo y alegría presentamos a la comunidad el resultado creativo de estos procesos investigativos, materializados mediante el deseo, la persistencia, la experimentación, el descubrimiento. El reto del artista creador es hacer posible, visibilizar, traer a la existencia, y la presente exhibición es la concreción de esta tarea tremenda. El reto del espectador es permitirse, mediante su sensibilidad, conectar con el sentido ampliado que aquel expresa a través de sus propuestas, acceder a su intención crítica para reconocer mundos otros, maneras otras de entender lo real, de propiciar realidad… sensibilidades otras de este humano demasiado humano.

Julio César Salazar Zapata Jefe Departamento Artes Visuales Facultad de Artes Universidad de Antioquia Humano, Humano, Demasiado Demasiado Humano Humano

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María José María José Arango Arango María José María José Arango Arango

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Desde que tomamos la primera bocanada de aire se nos enseña que el “no” no tiene lugar en nuestra boca, lo que se nos entrega no puede ser rechazado, y el manto de amor bajo el que nos crían nunca puede calificarse como sofocante ni agobiante. Los besos nunca son demasiado, los abrazos no duelen en las costillas y mamá siempre sabe qué es lo mejor. Mamá e hija, cómo dos lados de una misma moneda, nadie que no sean ellas comprende el resentimiento que se trepa por las patas de la mesa en la que ambas comen todos los días, el amor tan gigantesco que permanece oculto bajo una capa de neblina hasta que alguna de las dos puede reencontrarse dentro de la otra, y el tira y afloja propio de una niña grande y una pequeña.

María José nos teje un retrato familiar, en dónde la niña grande, -mamá-, endurecida por lo vivido y lo temido, por lo que en otro mundo pudo ser y la vida que nunca fue, cose una nueva prenda para su muñeca, la niña pequeña -hija-. La niña grande, no la ve como niña pequeña, en ella encuentra un espejo y es por esto que puede repararla con más mesura y frialdad. Ve en sus brazos las puntadas que están mal hechas y necesitan corrección, en su cabello rebelde y abundante hecho de lana, un error que podría ser corregido por una buena y apretada moña, y en las rodillas descubiertas de sus vestidos favoritos, encuentra alarmas de peligro que le piden las esconda. La niña pequeña, a su vez, la mira desde abajo, cómo si se encontrara a los pies de una escultura de mármol: imponente, inflexible y hermosa. Mamá le enseña a avergonzarse, a temer, a cubrir, pero, aunque es pequeña, y es niña, ella puede ver cuanto amor deposita en cada pasar de la aguja, en cada vestido de su closet, aunque sean demasiado pequeños y nunca le permitan pararse derecha, la niña entiende, y es por eso que no es capaz de pronunciar una palabra al respecto, pero las costuras de sus viejos vestidos comienzan a ceder, la falda se vuelve corta a pesar de las protestas de mamá, y la madriguera de seguridad debe ser abandonada. María José, rebelde, toma las telas que mamá había preparado para ella y cose nuevos caminos que la guían por fuera de los miedos y del molde al que debía adherirse. En un acto en el que reconoce los hilos imborrables que ha dejado mamá en su corazón, pero plasmándose y construyéndose a ella misma por primera vez: hija, mujer y artista. Isabella Ledesma Valderrama Maestra en Artes Plásticas Contrapuntada. Video-instalación, Dimensiones variables, Loop, 2023 2000, Itagüí, Antioquia maria.arangobr@gmail.com

La sutileza de lo cotidiano Desde la infancia el imaginario juega a hacer casas con sábanas, ramas, palos de escoba y hasta sin objetos, así es como desde lo irreal se construye el primer hogar propio, hogar que, con el paso de los años y la adultez, se olvida, aunque siempre se busque tener un lugar estable para habitar. Pero esto no sucedió con Ana María Arroyave, quien continúa presintiendo aquella inocente y primigenia casa en la cotidianidad de sus días y por ello se pregunta: ¿Cómo traerla a la realidad? ¿Y si puede traerla, cómo lograr que no decaiga ante imposiciones espaciales, económicas, legales, propias de cualquier inmueble? Justamente Michelet le da la respuesta al mencionar que: “la casa es la persona misma, su forma y su esfuerzo más inmediato” (Bachelard

2000, 133).

Entonces ella analiza sus gestos, esas acciones involuntarias que delatan el carácter de la persona, y entre ellos encuentra uno cotidiano y sacro que le permite estar presente y al mismo tiempo tomar distancia de su realidad inmediata: tomarse una aromática. Este gesto cotidiano le permite la recolección de los recipientes que usa para tomarlas y cronológicamente ir construyendo un espacio intangible a través de este ritual que es posible traer a la realidad con un rastro: los residuos y las bolsitas de aromática que quedan cada día. Detrás de cada taza hay una historia, un clima, una presencia o ausencia, una emoción, una atmósfera o una pregunta que se condensan en frases cortas, casi como recordatorios de experiencias en espacios que sensiblemente se transforman constantemente, y que ahora convergen en una palabra, creada con preludios y tempos, en la que Ana ha habitado y seguirá habitando. Una mujer entra al café a la hora acostumbrada y el mesero se acerca. -Tengo manzanilla, frutos rojos y yerba buena ¿qué sabor desea hoy? Lindy María Márquez H.

Docente Facultad de Artes Ecléctica. Instalación (fotografía y objetos recolectados sobre mesa), 70 x 2.47 x 108 cm, 2023-2024 Ana Ana Arroyave Arroyave

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1997, Bello, Antioquia anamarroyave36@gmail.com @blueana197

Alejandro Alejandro Betancourt Betancourt Alejandro Alejandro Betancourt Betancourt

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El pájaro del alma. Video, 00:05;00, 2023-2024 El oído: nido o laberinto del sonido.

Lo que dice no dice lo que dice: ¿cómo se dice lo que no dice?

(Algaba 1979, 139) Le hemos escuchado “papá” con tanta convicción y serenidad que es posible pensar que aún no se ha ido, que aún está habitando la casa, cantando y tocando sus instrumentos, pero quien habita, canta y toca es Alejandro, como una forma no solo de hacerle frente a la pérdida, sino de aprender a vivir aferrándose, a lo que se podría decir es lo más extenso e imperecedero: El sonido. Por tal motivo, compone melodías a partir de intuiciones o corazonadas que rápidamente lo impulsan a llevarlas a la realidad, utilizando instrumentos de cuerda, de percusión o electrónicos, además su propio cuerpo. Así es como Alejandro extiende sus brazos, a la vez que extiende su alma, listo para enfrentarse al cielo y a una imposibilidad: volar… Pero para quien se expresa con el lenguaje de la música y del viento, alcanzar el cielo, es posible por medio de las notas que cada aleteo crea con todo su ser.

Es así como encuentra su sonido y este es capaz de sobrepasar a la muerte, uniéndolo con “papá” y a la vez con todos los que él representa; y que nosotros también añoramos. De esta forma, su obra performativa y videográfica, expone su duelo, su vida y su música para preguntarnos: Si todos los humanos tenemos un sonido en el interior, ¿cómo sonaría la canción del pájaro de nuestra alma? Maria Daniela y Lindy María Quienes han mirado el cielo y guardan con afecto a quien encontraron allí 1998, Medellín, Antioquia al02court@gmail.com

Yuliana Yuliana Botero Botero

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Delirio Paraco. Video-instalación, Dimensiones variables, Loop, 2023 Testimonio “Este viaje nos conduce a rincones oscuros y complejos de nuestra historia, espacios y momentos que preferiríamos sepultar pero que se aferran a nosotros. Es como si resonara con nuestra esencia más profunda, exponiendo todo lo que hemos experimentado y lo que aún nos atormenta, como una invitación a sumergirnos en las profundidades de una verdad dolorosa y enredada que ha dejado una huella imborrable en nuestras vidas.

Para muchos de nosotros, enfrentar las verdades incómodas de nuestro pasado es una tarea ardua, sobre todo cuando esas realidades están entrelazadas con nuestra propia historia. Todos llevamos un poco del “Delirio Paraco” dentro de nosotros, una mezcla de miedo, confusión y desasosiego que la violencia ha dejado a su paso. Es como si esa sombra persistiera siempre, recordándonos lo que pasó, y cómo continúan afectándonos en el presente. Pero confrontarlo no es fácil, el pensamiento de vivirlo de nuevo nos nubla, es difícil entender, pero es necesario.”

Anónimo Alguien que teme su delirio.

2001, La Ceja, Antioquia yulianitabotero@gmail.com @_yulianita.bot_/

Angélica Angélica Cordero Cordero Angélica Angélica Cordero Cordero

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(P)E(R)XISTIR. Video-instalación, Dimensiones variables, Loop, 2023 (Créditos de la obra en la bibliografía, pág 44) Angélica Cordero ante la imposibilidad de un relato lineal que conecte las formas en que percibe y experimenta la realidad, con subjetividades sobre los modos de existencia, apela a la intertextualidad como estrategia expresiva en un ensayo audiovisual desplegado en cuatro canales, que simulan las paredes de una habitación y evocan la idea de cuarto-mente. En la obra (P)E(R)XISTIR la composición en simultánea invita al espectador a hilar sus sentidos a partir de fragmentos audiovisuales provenientes del cine, que se intercalan con declaraciones personales. El espacio-tiempo en la representación de este collage fílmico como lo señala Cordero, se establece como un bloque de sentido que posee de fondo un halo psicológico, mediante líneas de diálogos y secuencias de imágenes prestadas, que fueron seleccionadas porque en ellas resuenan imaginarios, recuerdos, presencias y emociones propias.

En medio de estos impulsos visuales y sonoros, la narrativa posible es moderada por interludios basados en el vacío de planos silentes. Acallar la imagen para concentrar la mirada en los fenómenos como acontecimientos mínimos, es una declaración de existencia de la artista; un anclaje emocional y lugar de fuga para abstraerse de la apabullante realidad. Los protagonistas invitados a este relato fragmentado pueden ser un halo de luz, un destello esperanzador, un cuerpo errante o una lágrima que se agota en su recorrido. Paisajes oníricos que propenden por exaltar lo inasible, lo que escapa a la razón, pero que en el plano de inmanencia conectan con la existencia misma. En la poética de la pieza hay una aproximación sensible al pensamiento de Byung Chul-Han, quien en su libro El aroma del tiempo nos dice:

La dispersión temporal no permite experimentar ningún tipo de duración. No hay nada que rija el tiempo. La vida ya no se enmarca en una estructura ordenada ni se guía por unas coordenadas que generen una duración. Uno también se identifica con la fugacidad y lo efímero. De este modo, uno mismo se convierte en algo radicalmente pasajero. (2015, 168) Sin embargo, como lo menciona Angélica, pareciese que no se está plenamente consciente de esta fugacidad o de la muerte que día a día nos acecha.

Fredy Álzate Gómez Docente Facultad de Artes, Universidad de Antioquia.

1997, Ciénaga Magdalena angelicacordero10.s@gmail.com @angelicacordero.s

ana maría ana maría Díaz Díaz

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Gloria estuvo, está y estará Alguien habla. Alguien me dice.

(…) Alguien proyecta su sombra en la pared de mi cuarto. Alguien me mira con mis ojos que no son los míos.

Ella escribe como una lámpara que se apaga, ella escribe como una lámpara que se enciende.

(…) Camina silenciosa hacia la profundidad (…), [del] no tiempo, de [la] memoria (…),[de mí misma, para abrazarme]. (Pisarnick 2016, XXX) ¿Qué pasó? Ha sido la pregunta que desde niña se ha hecho Ana María Díaz, al encontrarse con una de las tantas realidades que padeció la época de los noventas en Colombia, en la que su hermana dejó de estar presente sin razón alguna, sin indicios, ni mucho menos sin tiempo para despedidas o guardar esperanzas. Justamente estas ultimas se convirtieron en dosis de resignación, con las que se anestesiaron los días, los meses, los años. Pero esto nunca le hizo efecto a Ana María, por eso aun la sigue buscando en silencio y sigilosamente, -como para que nadie se dé cuenta, ni siquiera el perro-… Así, con cada palabra, trazo, imagen y gesto que lanza al cielo, al mar, al horizonte, al jardín, a la casa de sus padres y al pasado, le arma un lugar para habitar y ser un efecto del afecto, contradiciendo aquella constante frase de: Aquí no hay nada… Si hay… Hay una video instalación en la que el espectador recorre una intimidad familiar que era mejor no reconocer y que ahora se encuentra en sintonía con un presente que sabe que no puede borrar la pérdida, pero si puede hacerle frente, dar otra versión de la historia, en la que la búsqueda llega a su fin, al darnos cuenta que ella siempre estuvo, está y estará con su hermana Ana María. Lindy María Márquez H.

Docente Facultad de Artes Aquí no hay nada. Video-instalación, Dimensiones variables, Loop, 2023-2024 1996, Medellín, Antioquia anam.di96@gmail.com giny_ellow

Felipe Felipe Franco Franco

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Cuidados: Entre un piso y techo. Instalación de procesos, Dimensiones variables, Loop, 2022-2024 extensión en relación directa a la extensión del cuerpo

del espacio [externo interno] superficie - superficies se acercan se tocan se introducen

estructura – estructura – estructura -fisura- -fisura- -fisura-torción- -fisurasustrato radicar la estructura ser la… ser parte de… hurgar la estructura con los dedos adherirse a/en su interior

estratos hurgar los estratos con el cuerpo formas duras | formas livianas densas pesadas

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el trabajo es espontáneo sobre la materia sobre el material sobre el cuerpo lo espontáneo no es trabajo el trabajo es apariencia

Gloria Isabel Ruiz Gualteros Estudiante, Facultad de Artes – Universidad de Antioquia 1994, Bello, Antioquia lfelipe.alzate1@gmail.com @felipe.afranco

María Camila María Camila Garcés Garcés María Camila María Camila Garcés Garcés

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Fracturas (…) solo cuando uno está a solas, en la esquina última de un cuarto que es uno mismo: cuida tu fractura: nútrela: expándela. Tu fractura es tu casa: tu tesoro: tu bien. Baja a tu fractura, ilumínala, sube hacia ella. Tu fractura es la letra, [el grito, el llanto, la fuerza…] (Rivera Garza 2021, 76) Pasando las hojas del álbum, se puede ver cómo nace una familia, crece y es feliz, o por lo menos eso es lo que evidencian sus fotografías donde el pasado puede conservar su color y calidez, pero no pasa lo mismo con los recuerdos de María Camila, allí, estos mismos momentos familiares parecen fragmentarse por la realidad y por el siempre hecho de que el ser humano es imperfecto.

Por tal motivo surge Nosotros sin nosotros un proyecto artístico que con pedazos de vajilla expone las tensiones y grietas que el hogar guarda en silencio. ¡Vaya ruina! Se podría pensar, pero no, María Camila Garcés estudia cada fractura, ahonda en ella para reusarse a su fenecimiento y por ello la sutura cuidadosamente, de eso da cuenta la luz que emana del interior de lo reparado que nunca volverá a ser como antes, pero si, podrá estar en pie, siendo de nuevo taza, plata, vasija y por supuesto una señal luminosa de su regreso como baluarte contra el vacío, la desilusión e incomprensión humana. Lo mismo sucede con una serie de huevos, que una vez abiertos y vaciados su contenido, fueron de nuevo cerrados, no para crear la ilusión de nunca estuvieron rotos, sino de que ella está dispuesta a luchar contra lo imposible, aunque ya sepa que es infructuoso, porque para esta remendadora lo importante es no quedarse completo e intocable, sino como a pesar de todo se puede seguir existiendo, siendo cada vez más real y verdadero. Si María Camila tomara una foto para el álbum hoy, veríamos a aquella familia con más nitidez que ya no esconden, sino que las exponen las fracturas como recordatorio de su humanidad.

Lindy María Márquez H.

Docente Facultad de Artes Primera línea de consanguinidad. Objeto intervenido, Dimensiones variables, 2023 Diario. Instalación, Dimensiones variables, 2023-2024 Nosotros sin nosotros. Instalación, dimensiones variables,

2023-2024

1999, Itagui, Antioquia gd.mariacamila@gmail.com www.behance.net/gdmariacamila

Esteban Esteban García García Esteban Esteban García García

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Aquí no paso nada es una propuesta instalativa que alude metafóricamente a una habitación, la cual esconde las vivencias, miserias y deseos de sus habitantes. A partir del manejo de la luz negra y una atmósfera oscura que sumerge a los espectadores en una especie de caverna platónica, la escena va develando indicios y formas que configuran el mobiliario y la espacialidad de la misma; líneas continuas con pintura fosforescente simulan las siluetas de una cama, closet, nochero y alfombra. La experiencia del espectador va in crescendo al despertar del ojo ante la oscuridad para revelar no solo la iconicidad de la escena, sino la gestualidad misteriosa de los usos y vivencias que la convierten en testigo de eventos fortuitos.

El indicio de las manchas -vestigios en las paredes con tinta invisiblerevelan memorias de violencia y encuentros entre sujetos homosexuales, que el espectador va descubriendo hasta completar una interpretación de lo acontecido. Es una pieza inquietante, de intencional misterio, que logra generar en el visitante la afectación y extrañamiento que caracterizan a una buena obra de arte.

Carlos Alberto Uribe Uribe Profesor de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia Aquí no pasó nada. Instalación (fotografías, pintura y dibujo en el espacio), dimensiones variables, 2023-2024 2000, Medellín, Antioquia esteban201142@gmail.com

Jose Jose Gil Gil

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La saliva del gallo rechazada por la sustancia. Su pluma no va a su esencia. El gallo en los infiernos de papel. La boca del buey como pozo. Suéltame, que me reduzco y grito. Ciégame, que me abarco y comprendo (Lezama, 1951, 2007, pp. 30-31) En la obra Tal vez, un reflejo ideal, la eterna pregunta por la identidad se contextualiza en una sociedad machista y capitalista, al evidenciar que el lugar a ocupar en el mundo se dicta por el género y la capacidad económica, determinando así lo que debe ser y lo que no. De este modo, Jose inició su exploración indagando en lo que debería ser un hombre según lo que se le enseñó, lo masculino. Planteando este rol como algo que en algún momento terminamos aprendiendo y comprando, surge la subsecuente pregunta ¿Quién nos lo enseñó?

Por tal motivo, el artista le enseñó a la máquina, y la máquina sigue lo que pareciera ser una secuencia de pasos hacia un fin: abnegación, abdicación, reiteración, y así tal vez, un reflejo ideal. La máquina, el medio, no se cansa, no juzga, solo evidencia e imprime, te enseña lo que te vendieron y lo que compraste, no escribe para quién es. Ahí está, es el momento en el que las cosas que compramos y las cosas que somos se tornan difíciles de diferenciar. El recibo, más que una prueba de lo que compraste, es una prueba de lo que eres, por muy odioso que esto sea, al evidenciar una educación en la que el valor de cada uno se determina por lo que puede ofrecer y comprar, y así de fácil, la identidad, la persona en relación al mundo, puede parecer un asunto de oferta y demanda. La pregunta final “¿Qué ves cuando te ves?” pone en paralelo esas ideas de lo que nosotros sentimos ser, lo que no compramos sobre nosotros mismos, y lo que ofrecemos a los demás. Vanessa Díaz Tabares Estudiante Facultad de Artes Tal vez, un reflejo ideal. Instalación (papel térmico e impresora), Dimensiones variables, 2023 1999, Bello, Antioquia lsjosed06@gmail.com @jose.dg2

Esteban Esteban Giraldo Giraldo

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La complejidad del ser A través del tiempo y de la historia de la humanidad, es recurrente la afinidad por lo bello y lo perfecto, dejando a su contraparte como algo que es preciso ocultar y hasta temer, de esta manera, la fealdad, la maldad, el dolor, la enfermedad y específicamente los trastornos mentales, poseen una dificultad de representación innata, pero ¿Cómo se han visibilizado antes? ¿Cómo se pueden visibilizar?, ¿Por qué no exhibir lo que verdaderamente se encuentra en la mente y no intentar aparentar ante el mundo una belleza y perfección inexistente? Es aquí donde el artista Esteban Giraldo Ocampo desarrolla un proceso artístico que desentraña pensamientos oscuros y conflictos internos del ser humano, atravesando diferentes dilemas como los impulsos y deseos (Ello), las proyecciones y creencias idealistas (Superyó) y el mediador entre ambas (El yo).

Además, aborda a profundidad las emociones y sentimientos más reacios dentro del ser humano, enfocándose en la ansiedad y depresión, retratando tan complejos sentires y pensares que engullen a más de una persona. En definitiva, estas obras que tienen un principio gráfico, muestran el sentir de aquellos que no saben qué sentir, que no saben qué pensar y que no saben cómo salir del inmersivo mundo de los trastornos mentales. Para aquellos que padecen esta condición, es difícil expresar cómo es la sensación de dichos padecimientos, sin embargo, las obras Fundido y Abismo retratan perfectamente lo que es vivir en tal agujero emocional.

Mariana Giraldo Ocampo Estudiante de Biología de la Universidad de Antioquia Fundido. Video instalación (animación digital cuadro a cuadro sobre objeto y luz), dimensiones variables, Loop, 2023 Abismo. Libro de artista (dibujo, escultura en porcelana fría, resina, pintura, puntillas), 19 x 25 x 24 cm, 2023 1997, Envigado, Antioquia xesteban013@gmail.com @retry_ego

Juan Juan Hernández Hernández Juan Juan Hernández Hernández

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Confunde y reinarás es un dicho que parece afianzarse en la era informática actual, donde las noticias y los hechos del mundo se difunden simultáneamente a su acontecer, generando la falsa idea de estar actualizados, de trascender a ciudadanos globales, de ser solidarios con causas humanitarias o ambientales, de creer que hacemos parte de iniciativas loables cuando solo somos espectadores autómatas y consumidores programados, por lo que no sorprende que el absurdo y lo insustancial pero entretenido de las redes sociales, nos exhorte gratamente de las realidades cercanas. Juancho sucumbe voluntariamente a dicho placebo y de forma similar a la de Alex DeLarge, el protagonista de La Naranja Mecánica, que accede a someterse a la terapia experimental del método Ludovico, en la que es expuesto al bombardeo de imágenes sin poder cerrar los ojos ni girar la cabeza durante un periodo extenso de tiempo hasta alcanzar un estado psicótico. Juancho emula esto al navegar en la red, estableciéndolo como método investigativo, como estrategia creativa, como medio de experimentación y sobre todo como problemática conceptual para la revisión desde el arte. La dudosa procedencia, la obsolescencia, la manipulación, la trivialidad, el entretenimiento y el consumo en Internet, son algunos de los conceptos que aborda el proyecto de grado Cosas que preferiría no hacer xd, en el que se apuesta por la configuración de narrativas audiovisuales a partir de yuxtaposiciones de contenidos de Internet, en una serie de instalaciones de video proyecciones (mapping) sobre objetos cotidianos, apelando a la multiplicidad y simultaneidad de mensajes visuales y auditivos, editados en una suerte de monstruo mediático sin sustancia, o mejor, con el ánima de un sistema algorítmico, lo que en palabras del mismo artista plantea es; cuestionar y señalar el paradigma social de las tecnologías, la importancia de las imágenes y el rol del arte en este contexto tecnológico. Kike Aguilar Docente Facultad de Artes La verdad, preferiría no sentir. Video-instalación, Dimensiones variables, Loop, 2023 1997, Valledupar, Cesar hdz.juancho97@gmail.com @hdzjuancho

Luisa Luisa Jaramillo Jaramillo

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Caminar sobre la línea No se puede definir, solo se sabe de su presencia, de su ruido, que quiere eliminarlo todo, incluyéndote.

En un pequeñísimo instante caminas por una línea, por las flores, por las piedras, olvidando que vives muchas vidas mientras te encuentras en esta… Esta que ahora te reclama e intenta darte la mano.

El proyecto Línea amarilla, es un performance que se desenvuelve en una video instalación sonora, el cual, parte de un grito, un lamento, un secreto, una enfermedad o una opresión que la sociedad ejerce sobre sus partes más vulnerables, desembocando en hecho trágico, que altera las dinámicas de un medio de transporte masivo sucediendo en un bucle sinfín en nuestra ciudad y otras ciudades del mundo.

Entonces ¿Qué hay detrás del suicidio como hecho trágico? ¿Qué enuncia? ¿Qué guarda? Una realidad de razones inimaginables, donde el ser humano es absolutamente vulnerable ante su presente y lo que es en él, en este espacio tiempo de reflexión, Luisa Jaramillo asume el papel de una observadora y perseguidora de las huellas que han dejado otros, que en una parte de la línea decidieron saltar o más bien dar un paso sin vuelta atrás. Acompañada de las Moiras con su menudo cuerpo de movimientos sutiles pero decididos, encarna un gesto que cuestiona aquel lugar al margen de la vida, donde de giro en giro y de paso en paso hay una lucha, un cansancio que lleva al reposo. En la quietud, suspira, respira, se contrae, se prolonga, se hace consciente de la desnudez en la que se encuentra, esa que va más allá de lo físico, que solo existe cuando se mira el miedo en el momento que pisamos la línea.

Gabriel Botero Serna Docente Facultad de Artes Serie línea amarilla. Instalación (performance, audio experimental y proceso pictórico), dimensiones y duración variable, 2023-2024 1993, Medellín, Antioquia asiul.1011@gmail.com @gris_luisa

Herika Herika Martínez Martínez Herika Herika Martínez Martínez

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Territorios en transito Las esculturas e instalaciones de Herika Martínez traducen un paisaje interpretado e interpelado —al que se aproximó durante diferentes recorridos realizados por las periferias de la ciudad— en el cual se evidencian los efectos amenazadores que la expansión urbana del hombre ha tenido sobre la naturaleza. El suelo como materia simbólica le permite a la artista expresar las formas en las que los humanos habitamos el mundo, mediante una gramática que enlaza el cuerpo, la parcela, la casa y el entramado urbano en un despliegue de estructuras blandas y geometrías básicas, cuya piel-tierra manifiesta una aridez estremecedora.

En tránsito es una instalación que proyecta una arquitectura dúctil, una casa maleable que invita a ser recorrida y habitada. Aparece como un gesto primigenio gracias a la abstracción esquemática que compone el habitáculo y el material térreo que recubre una suerte de mantos suspendidos, convertidos en territorios afectivos que nos conectan con los recuerdos de la casa ficcionada en los juegos de infancia.

Las pieles de color marrón exponen una cartografía amorfa que refiere un territorio en continua transformación y adaptación a las necesidades habitacionales contemporáneas en la ciudad. Esta propuesta se plantea como una obra en proceso (o Work In Progress, WIP, por sus siglas en inglés) porque se adapta a los diferentes lugares donde es emplazada, como un signo que explora resonancias entre materia, forma, arquitectura y paisaje. A lo largo de su trayectoria, las preocupaciones de Martínez han transitado por el reconocimiento de la conexión de su propio cuerpo con el mundo que habita en tanto interroga el suelo como materia, impulsada por una pregunta sobre el lugar fundamental de este en el sostenimiento de la existencia humana. Fredy Álzate Gómez Docente Facultad de Artes, Universidad de Antioquia.

En Transito. Instalación (tela, tubos pvc, suelo-tierra), dimensiones variables, 2023 1975, Bello, Antioquia herika1995@hotmail.com

Evelyn Evelyn Medina Medina Evelyn Evelyn Medina Medina

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Las ruinas de civilizaciones antiguas evocan imaginarios a cerca de culturas y épocas remotas que pueden suscitar admiración o intriga, pero ¿qué sucede si los vestigios no son físicos y el espíritu de los lugares resiste en la endeble memoria de los archivos y en difusos recuerdos de algunos individuos mayores? El borramiento de lo anticuado en aras del progreso amenaza la permanencia, el patrimonio y la esencia de una cultura como lo señala Evelyn en su actual investigación, en la que propone un simulacro para invertir la realidad de algunos edificios emblemáticos que fueron demolidos en la ciudad de Medellín, apelando como artista a la recreación de patentes que sentencian la caducidad de los edificios actuales que se irguieron en sus lugares, rebelándose ante los relatos de la historia, del desarrollo y del poder gubernamental del presente, apelando a la nostalgia del pasado en reinterpretaciones memoriales. Kike Aguilar Docente Facultad de Artes, Universidad de Antioquia.

1999, Pereira, Risaralda emedinaagudelo@gmail.com @bitacora.imaginaria Medellín futuro. Instalación, dimensiones variables, 2023 Se vende la mejor esquina de Medellín. Grabado (linóleo), impresión sobre papel, dimensiones variables, 2023

Natalia Natalia Mejía Mejía

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Encuentro #2. Video proyección y performance, Dimensiones variables, 00:05:20, 2023 Monstruo perfecto Podría decirse que dentro de cada individuo habita un “Monstruo”, ese ser que representa los aspectos más oscuros de sí mismo, los cuales prefieren ser ocultos o negados ante el mundo exterior, porque es preciso mantener una imagen estable, apacible, controlada y bella, aunque en el interior borbotee la indefinición, la confusión, la rabia, la soledad, la frustración y todo lo que en muchas ocasiones es innombrable.

De esta forma, buscar visualizar y expresar esa entidad que está muy lejos de ser aquella entidad peluda, huesuda o deforme que ha presentado la literatura o el cine durante décadas, se convirtió en una tarea constante que Natalia Mejía asumió sin miedo, asomándose y confrontándose a sí misma, reconociendo su parte más sombría para exteriorizarla por medio del cuerpo y de su movimiento, con gestos ambiguos, imperfectos, sutiles o rápidos, desafiantes y sumisos, provenientes de la danza o el performance, logrando con ello, que el monstruo saliera a la luz, del suyo o el de todos, creando una experiencia liberadora; de aceptación de lo que la constituye como ser humano, porque en definitiva lo monstruoso es parte de la existencia misma. Parece...

que es y no es, o se hace o se cree ser, parece que ni fu ni fa, ni blanco ni negro, ni eso ni lo otro, parece sólo parece.

Y sin embargo, late, late, late, late, late, late, late, late, late. (Shock 2021, 15) Maria Teresa Morales Marín Mamá de Natalia.

2000, Medellín, Antioquia natalia.mejia2205@gmail.com @coladepatoo

Maria Daniela Maria Daniela Vega Vega

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Apuntes previos. Dibujo y texto (tinta y óleo pastel sobre papel), 2023-2024 Para abrazar nubes sólo hace falta amar. Video instalación (proyección sobre pared y televisor), dimensiones variables, 00:11:33, 2024 La niña que estuvo ahí Con el recuerdo vago de las cosas que embellecen el tiempo y la distancia, retornan a las almas cariñosas, cual bandadas de blancas mariposas, los plácidos recuerdos de la infancia. (…) ¡Cómo es de santa tu inocencia pura, cómo tus breves dichas transitorias, cómo es de dulce en horas de amargura dirigir al pasado la mirada y evocar tus memorias!

(Asunción Gómez y Charry Lara 1989, 62) Yo la miro en la distancia, tú has podido estar más cerca, viendo cómo escribe, se esconde, cuida de su paraguas, construye su casa, habita en su silencio, atesora su inocencia y juega a hacer corazones que como pájaros van al cielo, por eso desde mi lugar, en la distancia presiento que detrás de todos estos gestos, ella fervientemente lucha contra la prisa del tiempo, la indefensión ante la realidad y la fragilidad de todo lo existente. ¡Vaya lucha infructuosa!, ¿Para qué enfrentar lo inevitable? Si es más que obvio el resultado… Desde tu cercanía, respondes: Para saber que ella estuvo ahí, abriendo las puertas que han ocultado a su niña interior, de esta forma nos invita a pensar en lo que significa volver con convicción y valentía a la infancia, además nos alienta a asumir este retorno, pero esta vez para quitarnos de encima, con sus rítmicas rondas y sutiles gestos, los recuerdos dolorosos o resentimientos guardados casi que con resignación; guiándonos por un mundo, no idealizado, ni perfecto, sino uno donde el silencio no es algo que nos lastima o nos encierra, donde el hogar es lo que nos une a los demás y donde el ser humano encuentra su paz y descubre qué clase de amor es.

Alejandro y Lindy María Los testigos de los juegos de esta niña 2000, Valledupar, Cesar mdaniela.vega0022@gmail.com

Desde la antigüedad el ser humano se ha preguntado por el origen y las trasformaciones de todo lo existente: el universo, la naturaleza, la vida y la muerte, pero a pesar de sus estudios, teorías y respuestas, su mismo ser es todo un enigma, aunque lo pase por alto, porque ¿Cuándo hemos tenido tiempo de pensar que significa ser humano? ¿Somos verdaderamente humanos? o ¿Cómo se es humano? Más hoy, cuando dicha humanidad se disuelve en la instantaneidad de una realidad en la que, si no hay una verificación o testimonio de presencia en bits, pues no se es, no existe.

Por tanto, hay una imposibilidad de definición, ante un zapping digital que no guarda, ni recuerda, solo deja pasar, y ese solo hecho tiene más credibilidad y contundencia que lo tangible, lo concreto o lo que tiene huesos, carne, órganos, corazón… *** Cuando estaba en el colegio cuidaba que los apuntes de matemáticas, ciencias, sociales, inglés, entre otros, quedaran completos y claros, para garantizar mi entendimiento después, pero estos los mezclaba inevitablemente con dibujos y pensamientos cortos que funcionaban como ventanas al mundo en el que siempre quería estar. Un día uno de mis cuadernos desapareció y a pesar de mi denuncia a la profesora y a todo el salón, nadie se inmutó. Pasó una semana y yo seguía buscando mi cuaderno, agudizando mi mirada en las maletas de mis compañeras y de lejos, en una de ellas vi un pedacito de él. Me dirigí hacia su dueña con miedo, y temblando le dije que por favor me devolviera mi cuaderno.

Con un movimiento rápido lo sacó de su maleta y me lo tiró, dedicándome estas palabras:

“¡Pobre humana, tienes demasiado corazón para este mundo!”… *** Palabras que por la manera de decirlas debía preocuparme, parecía como una maldición o una enfermedad sin cura, porque ¿Cómo tener menos corazón para poder ser acorde al mundo?... ¡Vaya imposibilidad! Más cuando años después conozco a otros seres humanos con esta misma cualidad, pero en vez de un cuaderno tienen videos, performances, instalaciones y composiciones sonaras para exponer su manera de definirse y de habitar el presente, confirmando con ello, su irreductible humanidad, esa que es capaz de mirar la realidad de frente, tolerando y contemplando el verdadero rostro de la vida. Así, María José Arango cose y deshace los hilos que la llevan hasta su origen; Ana Arroyave arma su casa a punta de sorbos de aromática; Alejandro Betancourt le responde un adiós a su padre con una sonata, mientras que Ana María Díaz transforma un adiós inesperado dicho en un encuentro; Yuliana Botero se dedica a escuchar todo lo que las flores (pensamientos) tienen para decirle de la tragedia; Angélica Cordero revela la majestuosidad de lo simple con gestos casi imperceptibles; Felipe Franco se deja permear por los espacios para evidenciar la vulnerabilidad de ambos; María Camila Garcés enfatiza las fracturas de trazas, platos y huevos para que estas cuenten una historia familiar; Esteban García desde la oscuridad deja ver las huellas de un hecho íntimo cuestionable o cuestionante; Jose Gil factura las definiciones de una identidad culturalmente impuesta; Esteban Giraldo saca a la luz las luchas que sobrelleva con las aflicciones de la mente; Juan Hernández con picardía despliega como la web y su avalancha de contenido lo asaltan; Luisa Jaramillo cruza la línea amarilla para cuestionar este límite y a su vez el de la vida y la muerte; Herika Martínez amasa tierra en sus manos hasta construir un espacio que se alza del suelo para ser un umbral entre el exterior y el interior; Evelyn Medina genera un tributo a los lugares que tienen una condición de patrimonio desgastada por ellos años; Natalia Mejía encarna una definición de monstruo no monstruosa, sino inquietante e intuida y María Daniela Vega canta para traer del pasado una infancia lejos del castigo y cerca al corazón, preguntándose ¿Qué clase de amor es? Mientras yo me pregunto ¿Qué clase de humanos son?... ¿O somos?... Ahora, en un cuaderno nuevo hago apuntes de todos ellos, para aprender de un mundo que no proviene de mi imaginario, sino que es tal cual el que ha alojado a la humanidad por 200000 años y que, por más inclemencias, desafíos, tragedias, pérdidas, desequilibrios que presente, hay unos humanos, demasiado humanos que harán de todo esto algo comprensible, con el fin de alentarnos, incluirnos y darnos lugar para que mañana, en el porvenir, podamos reconocer nuestra humanidad y seguir adelante.

Lindy María Márquez Holguín Docente Facultad de Artes “Pobre “Pobre Humana” Humana”

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